PROGRAMA DE
ACOMPAÑAMIENTO EN
ARTES PERFORMATIVAS
Coordinación:
Catalina Lescano, Iván Haidar y Jimena García Blaya
Durante seis meses, casi todos los sábados, nos encontramos para acompañarnos en la solitaria tarea de gestar un proyecto artístico. Desde distintas geografías iberoamericanas, fuimos construyendo una comunidad temporal alrededor de preguntas, intuiciones, discusiones políticas y formas singulares de entender la creación. Nos preguntamos qué estamos haciendo, a quién le hablan nuestras obras, qué relaciones establecen con el mundo que habitamos. Ensayamos respuestas, volvimos a preguntarnos y aprendimos a observar atentamente cada propuesta.
Aunque las plataformas virtuales nos impiden un contacto visual directo, encontramos maneras de afectarnos y dejarnos afectar por las miradas de lxs demás. Habilitamos la incertidumbre, pero también las certezas provisorias que nos permiten avanzar. Nos concedimos la impunidad de jugar a creernos convencidxs de nuestras ideas, de pronunciarlas en voz alta para escucharlas y descubrir qué otras posibilidades podían surgir de sus reverberaciones.
En este recorrido nos acompañaron Amador Alina Folini, Bibi Dória, Bruno Brandolino y Javiera Peón-Veiga, quienes compartieron sus prácticas, experiencias y modos de pensar la creación. Sus aportes abrieron nuevas perspectivas sobre la composición, la dramaturgia y las relaciones entre los cuerpos, los materiales y sus contextos, dejando herramientas e inquietudes que continuaron circulando entre los proyectos.
Las investigaciones que hoy reúne este catálogo transitan territorios en diálogo. Algunas interrogan las políticas que regulan la circulación de los cuerpos, las prácticas sexuales disidentes y las experiencias de extranjería, haciendo visibles las condiciones que determinan dónde, cómo y con quiénes podemos existir. Otras se aproximan a las devastaciones ecológicas, los saberes contracoloniales y la potencia política de los sueños, disputando las imágenes con las que imaginamos nuestros futuros.
Hay quienes exploran las ficciones que construimos para representarnos, el deseo de actuar y las identidades que se multiplican en escena. Quienes ensayan otras relaciones entre cuerpos, objetos y tecnologías, poniendo en tensión las formas contemporáneas de intimidad, consumo, cuidado y dependencia. Y quienes encuentran en la repetición, la caída, la lectura o la alteración de los procedimientos aprendidos una posibilidad de transformar sus propias prácticas.
Las singularidades de estas investigaciones y sus múltiples formas de relacionarse con el mundo alimentaron las conversaciones que compartimos. Durante seis meses, cada proyecto encontró en las miradas de lxs demás la oportunidad de escucharse desde otros lugares, de afirmar sus intuiciones y de repensarlas a partir de los ecos y desplazamientos que se producían en cada encuentro.
Este catálogo reúne dieciocho investigaciones en distintos momentos de su desarrollo. Una forma de prolongar aquella comunidad temporal, de hacer públicas sus búsquedas y abrir nuevas posibilidades para que estos proyectos encuentren otras miradas, otros territorios y otras formas de existir.
Agustín Elaskar es un artista experimental multidisciplinario y emergente, cuya práctica investiga el movimiento no lineal, reactivo, impulsivo y fluido, así como la instalación y las exploraciones multimedia. Su curiosidad orbita los dominios de la identidad queer, la migración, la nostalgia, la ecosexualidad y el placer corporal.
Su bufón catártico lubrica la rigidez de estructuras enterradas en el engranaje patriarcal, y busca honrar linajes ancestrales practicando arqueologías de la intuición y escucha activa. Originalmente de Mendoza, Argentina, hoy vive y trabaja en Sydney, Australia.
Deseo ambulante es un ritual para invocar la protección de la energía erótica de las teteras o espacios de encuentros sexuales en público. Es una acción performática, un reclamo político, disidente y resistente. Investiga cómo en el dominio íntimo de las teteras existe una intensidad infinita, demarcada por un lenguaje no verbal, gestual y presencial.
Construye un paisaje atemporal, donde el realismo mágico y lo fantástico acentúan estos umbrales de placer que se desvían de la cotidianidad rutinaria que patrulla y controla activamente su existencia.
Artista transdisciplinar chilena, estudió teatro y cine. Su práctica se desarrolla desde el cine, artes vivas, arte sonoro y creación medial, explorando el cuerpo, la ecología y las relaciones entre sonido e imagen. Como directora realizó Al otro lado del río (2011), Joselito (2014), Ver es un acto (2022) y Terrapolis (2023 - 2025).
Actualmente cursa el Máster en Artes Digitales y Programación Creativa de BAU, Barcelona, financiada por Becas Chile Crea.
Instagram: @barbarapestan / @abisalprod
Mar Rojo es una instalación inmersiva y performática que investiga los efectos del fuego y la afectación de la materia. Surge del incendio de la Reserva del Lago Peñuelas en 2024, uno de los accidentes medioambientales más grandes de Chile en las últimas décadas. Comprende la materia como un estado de afectación, transmutación y devenir.
El fuego pone en relación performers, carbón, ceniza, sonido, luz proyectada y cuerpo, haciendo aparecer resonancias y dimensiones espectrales. ¿Qué queda detrás de un territorio degradado?
Artista, bailarina y pedagoga. Su investigación se sitúa en el cruce entre cuerpo, percepción y creación escénica, con énfasis en la educación somática como práctica de conocimiento y transformación. Integra danza, improvisación, composición en vivo y practices como Feldenkrais, Eutonía, Respiración Evolutiva y Constelaciones Familiares.
Es Licenciada y Pedagoga en Danza por la Universidad ARCIS (Chile, 2015), terapeuta somática y directora de SALE, MRP, entre otras obras.
I MA GEN es una experiencia inmersiva que investiga cómo producir imágenes desde el movimiento, el sonido y la luz, en un mundo saturado de imágenes. La pregunta que guía la investigación es: ¿qué imagen devuelve el movimiento? Inspirado en el sampling musical, el proyecto trabaja con gestos, acciones, trayectorias, sonidos e imágenes como materiales que pueden ser activados, repetidos y transformados en vivo. Cuerpo, cámara, proyección, sonido y tecnologías interactivas conforman un dispositivo donde los elementos se afectan mutuamente, generando una composición dinámica.
Carol Castanho [artista, docente e investigadora brasileña] Maestría en Teatro y Artes Vivas y licenciatura en Comunicación y Artes del Cuerpo. Cocreadora de la plataforma LATIDOS, dedicada a las intersecciones entre la performance y la escritura.
Ha colaborado en proyectos como el Programa de Ficción Política. Actualmente, desarrolla los proyectos «Traducciones Ignorantes» y «Habitantes de Letras» en Bogotá, CO.
No se sabe muy bien en qué momento la lectura visual se volvió predominante. No se sabe muy bien cuándo la lengua se aquietó. No se sabe muy bien cuándo se colgaron los primeros letreros de silencio en las bibliotecas. No se sabe muy bien cuándo la gente empezó a leer libros en sus habitaciones; y no se sabe muy bien qué hacen las personas com los libros que leen, ni qué hacen los libros con ellas.
Sabemos que «solo sé que nada sé» es una frase que todos dicen, pronunciada por alguém que nada escribió. Sabemos que él habló, y que quien lo escribió lo escuchó.
Dedicada a la creación e investigación en danza, posee un sostenido recorrido en la producción de obra independiente, la docencia institucional y la coordinación de proyectos pedagógicos y colectivos.
Nacida en la ciudad de La Plata, reside y desarrolla actualmente su práctica en Buenos Aires. Profesora de Danza Contemporánea y Directora Escénica. Su práctica artística transita entre la composición autónoma y colectiva, con eje en la dimensión de lo íntimo.
Investigación que explora la exposición de lo íntimo a través de la relación con un vidrio de gran formato. El trabajo con la transparencia vuelve visible lo que suele estar oculto: al trabajar con el objeto como si fuese un "otrx", el vidrio revela lo que habitualmente queda en el plano de lo íntimo.
A su vez, el objeto deja de ser superficie y se vuelve un partenaire que demanda un compromiso físico total; su manipulación exige una presencia y un estado de alerta constante ante su fragilidad. ¿Qué pasa con la privacidad cuando el límite que nos protege se vuelve translúcido?
Bailarina, performer y pedagoga. Graduada en Artes Dramáticas por la U.N.A. tras realizar estudios en Antropología. Titulada en pedagogía por el Institut del Teatre. Investiga la potenciación de las poéticas singulares a través del movimiento.
Sus proyectos se desarrollan entre la danza y la performance en diálogo con otros lenguajes. Desde 2019 coordina el laboratorio de investigación Esto también es DANZA, impartido en Barcelona, Bs. As. y Madrid.
Instagram: @elicaporalini
En un contexto de derrumbe generalizado, una bailarina que no baila inventa un dispositivo escénico alrededor de su propia obsesión con el caer como una excusa para explorar -y exponer- su relación con la danza. Este cuerpo es una montaña es un solo de danza y performance acompañado por una diseñadora sonora en escena que explora la caída y diferentes formas del caer ubicando a la performer como objeto y agente de esta investigación, dialogando con elementos de autoficción, investigación sonora y audiovisual.
Artista e investigador escénico cuya obra transita la instalación, la performance y el trabajo con archivos para generar espacios de experiencia sensible. Formado en teatro y filosofía (UNL) y con artistas como Emilio García Wehbi, Ana Woolf, Marie Bardet, Martín Flores Cárdenas y Marcelo Savignone.
Ha recibido distinciones en la Bienal UNL (2022 y 2024) por su instalación Los espacios imaginados y su conferencia performática Ensayos Imposibles. Actualmente colabora con la revista de extensión cultural La boya.
El proyecto tiene el objetivo de expandir la conferencia performática hacia instancias de investigación participativa. Dicha instancia se basa en una serie de prácticas destinadas a interrogar las condiciones en las que la identidad se configura en un mundo que parece avanzar simultáneamente hacia la circulación ilimitada del capital y la creciente restricción de la movilidad de las personas físicas. En este sentido, la pregunta que formula es la de cómo puede cada uno de nosotros inventar un mundo en común a partir de las diferencias.
Guadalupe Lobo es actriz y diseñadora gráfica. Egresada de la Universidad de las Artes de Buenos Aires. Se desempeña como actriz en decenas de obras, de las cuales se destacan “Paraná Porã”; “Cine Splendid”; “¿Ya rezaste esta noche?”; “Subacuática”.
A partir del 2019, inaugura su proyecto “Teatro de la luz” plataforma desde la cual produce iniciativas artísticas y escénicas. Actualmente trabaja en su nuevo proyecto “El Deseo”, con estreno en 2027.
El Deseo es una pieza escénica performática que toma como punto de partida el afecto del deseo como máquina que pone a un cuerpo en movimiento. Busca investigar este afecto y cómo este se manifiesta en un cuerpo en escena, explorando la experiencia de la actuación y el deseo de estar arriba de un escenario como un acto de irreverencia.
El proyecto toma como archivo específico a Gena Rowlands en Una mujer bajo la influencia, y ensaya la construcción de una actriz a través de un juego de representación y reproducción que se multiplica.
Directora escénica, performer, actriz, mediadora cultural y licenciada en Ciencia Política. Su obra se desarrolla en las artes vivas, creando proyectos de genealogía diversa que combinan documental, ficción, movimiento, performance, investigación social y prácticas artísticas situadas en territorio.
Vive entre Bs. As. y São Paulo. Es miembro del colectivo performático Fangosureño, con quien, desde 2022, realizan Ocho Saltos para Ascender.
Instagram: @ivi_smo
La Extranjera es un proyecto de artes vivas que investiga la migración, la construcción de identidad y la cartografía elegida. Se despliega en dos líneas.
La primera es una obra escénica performática documental en desarrollo: cruza archivo, movimiento y materiales orgánicos, y despliega el cuerpo como territorio de memoria e imaginación poética y política. La segunda es un proyecto de mediación cultural, que invita a la comunidad a pensar la migración y el estado de extranjería.
Josefina Imfeld entiende la práctica artística como una investigación constante y así aborda todos los proyectos, propios o en colaboración, en los que ha trabajado como bailarina, performer o directora. Su práctica se despliega entre la danza, la escritura y la creación de dispositivos sensibles de escucha.
Se cayó una nube es un proyecto de investigación performática que parte de la observación del cielo y las nubes como materia sensible, coreográfica y relacional. Surgió de una acción inicial sobre cómo fabricar una nube y hacerla caer, y explora las formas cambiantes de las nubes y sus posibles traducciones en gestos, preguntas, textos y danzas. La nube aparece como co-agente de la acción y como una excusa para interrogar los modos de hacer y compartir una obra en el presente.
Julia Zac es una artista, coreógrafa e intérprete argentina radicada en València. Su interés principal radica en investigar a través de la práctica de la danza y el movimiento, habitando un espacio de búsqueda constante.
Su mirada se centra en la hibridación de lenguajes en escena, explorando cómo el cuerpo dialoga con su entorno.
Hard to explain es una pieza donde aparece Julia Zac, pero antes de seguir... ¿Quién es Julia Zac? Una persona. Un micrófono. Una presentación que falla.
La identidad se desarticula como relato para dejar paso a un despliegue de materiales escénicos.
Artista enraizade entre Rio de Janeiro (BR), Oaxaca (MX) e Chão do Rio (PT). Dedica-se à criação poética nas tramas entre performance, teatro, práticas somáticas, pedagogias radicais e medicinas ancestrais.
Em sua prática artística, Mar estuda o corpo como campo vibrátil de escuta, onde se entrelaçam Terra, território, comunidade e o sonhar no cultivo de vitalidades transgressoras. Em diálogo com saberes contracoloniais e transfeminismos.
Instagram: @mar_mordente
Sísmico Sonhar é uma pesquisa artístico-pedagógica que se propõe a adentrar as potências plásticas e éticas do sonhar, em sua força disruptiva de redefinir as fronteiras através das quais o material, o racional e o humano são reconhecidos.
Articulando cartografia, ilustração, escrita, performance, práticas somáticas e restaurativas em torno de perspectivas mais-que-ocidentais do sonho e do inconsciente mais-que-humano, o projeto propõe espaços para ensaios coletivos, atuando na disputa de imaginários apocalípticos.
Pesquisa artístico-pedagógica de Mar Mordente. Projetos em colaboração: Na Espiral dos Sonhos com Angie Donini, colaborações com Dani d’Emilia e Sarah Amsler (Chão do Rio). Integra doutorado em arte da HfK Bremen em cotutela com a UNIRIO.
Se dedica a las prácticas de danza en su sentido expandido a través de la creación, la investigación y la pedagogía. Es estudiante de la Maestría en Tendencias Contemporáneas de la Danza (UNA), profesora en Arte con orientación en Danza Clásica y Contemporánea (IPA) y diplomada en Educación Somática (UAI).
Es docente en espacios curriculares de conciencia corporal, improvisación y composición. Co-gestiona proyectos de movimiento desde el 2019, como PM, Axolote y actualmente encuentros entre artistas y estudiantes. Actualmente trabalha en la pieza escénica Sens y la pieza audiovisual Intacto.
Instagram: @enel_mar
Sens se pregunta por la relación entre el lenguaje de movimiento y la identidad. Investiga cómo la fascinación por ciertas formas produce insistencias que, con el tiempo, van configurando un repertorio de movimentos y, en certo modo, delimitan un territorio de restricción configurado por la fetichización de la forma.
Lejos de huir de ella, el trabajo cede al desejo y permanece en la restricción hasta flexibilizar los límites del lenguaje corporal. Inventa prácticas a través de la relación entre la forma, la sensación y la imaginación para generar variaciones que posibiliten devenir un cuerpo-otro.
Marcus Perez é uma pessoa não-binária, artista da cena, professora e produtora cultural. Licenciada em Artes Cênicas pela Universidade Estadual de Mato Grosso do Sul (2022), desenvolve trabalhos em dança e performance apresentados em festivais, mostras e plataformas virtuais.
Está em circulação com seu primeiro solo, “Estudos para não fazer a mesma coisa”, apresentado na Alemanha, além dos espetáculos de dança GUAPERI e Cabeça de Toco.
Instagram: @amarcusperez
“Estudos para não fazer a mesma coisa” é um espetáculo de dança que compartilha imagens reais e utópicas dos cotidianos queers. Em um gesto de desaceleração, o trabalho convida a permanecer diante das coisas por mais tempo do que o habitual: um conjunto de objetos corriqueiros, de composições efêmeras que nunca se repetem.
Os objetos são o documento de uma cultura queer. O que acontece quando um trabalho chega em um novo território e dialoga com os dias, afetos das pessoas, das coisas e das não-coisas? Se constrói na prática dos encontros invisíveis no entorno.
Martín Fernández Navarro (Martín Zip) es artista visual y performer uruguayo. Su formación de base fue el cine, disciplina que fue mutando hacia otros campos como videoarte, instalación y artes vivas. Hoy día investiga el cruce entre cuerpo, tecnología e imagen.
Su trabajo se desarrolla en dos grandes líneas: el cuerpo en las lógicas del trabajo alienante y burocratizadas y la pantalla como superficie performativa. Sus obras se han mostrado en Uruguay, Brasil, México y España. Seleccionado para el 62° Premio Nacional de Artes Visutales de Uruguay.
Web: martinfernandeznavarro.github.io
Instagram: @martin.zip.art / @martin.zip.rar
Correo: martin.zip.rar@gmail.com
RESOLUCIÓN MÍNIMA es una pieza escénica para un intérprete y una televisión de 32 pulgadas. La pantalla no es objeto ni utilería: es vínculo. El cuerpo la abraza, la carga, duerme sobre ella, la pierde. Ella também actúa: a veces pulsa rojo, a veces levanta con una webcam el rostro del intérprete y lo amplifica. La tensión no se representa, se atraviesa: la tele pesa, el cable tiene un límite. La pieza investiga ese vínculo físico y sus lógicas de consumo, y cómo repercuten en nuestros cuerpos y en cómo nos vinculamos. Un ritual, una danza de a dos donde cuidar y ser cuidado se confunden, y sobre todo una pregunta: quién sostiene a quién.
Sara Trotta es artista escénica y audiovisual argentina que a través del cruce entre el teatro, la danza, el cine y la escritura busca deformar la realidad en universos eróticos y melancólicos.
Actualmente se encuentra produciendo performance erótica en el cabaret Libertad & Buengusto y obra con el colectivo teatral “Colectivo, ¡sálvame!”.
"Guau guau, qué perra vida!" cuenta las aventuras y secretos de Mia y Perro, marcados por la soledad, el deseo, la derrota y una ensoñación que los mantiene a flote. Mia es una chica y Perro es su mascota, un hombre mayor que vive en cuatro patas y habla como humano, aunque nadie en la obra repare en eso.
La obra incursiona en el límite entre lo humano y lo animal desde una perspectiva onírica íntima, emparentada con el monólogo interior y con la lógica de los sueños. Para esto indaga en el refugio sin juicio que buscamos en los animales, y en el deseo y desamparo compartido cuando ese vínculo se vuelve tan primitivo que ya no se sabe quién cuida a quién.
Sol Gorosterrazú (Mendoza, Argentina, 1984). Directora, intérprete, docente y gestora escénica. Su trabajo se basa en una práctica integral entre realidad e imaginación para que la experiencia sea dispositivo de pensamiento y acción creadora.
A través de una danza poética, integra el campo simbólico y material para vincularse con el entorno. Su obra aborda lo monstruoso y lo humano. Actualmente investiga el cruce entre ciencia y arte como sistemas que comparten el misterio.
Instagram: @solgorosterrazuvera
La zona inefable es una pieza escénica de danza en proceso de investigación y creación. Su universo explora personajes y entidades sumergidos y emergentes de estados particulares, donde el cuerpo opera como receptáculo de otros cuerpos e informaciones bajo la noción del archivo personal como herencia común.
Este proyecto híbrido entrelaza estructuras artísticas y elementos de diversas culturas en una narrativa de género mixto. El dolor, la destrucción, la adaptación, la fragmentación y lo monstruoso en íntimo diálogo con lo sublime de la naturaleza.